西方艺术家们为何偏爱裸体？
让·奥古斯特·多米尼克·安格尔《大宫女》，布面油画，91×126cm，1814年
你是否好奇，西方艺术家们为何偏爱裸体？他们为何不觉得在作品中公开展现赤裸的人体是件羞耻的事情？今天，时尚芭莎艺术为你讲述创作者们这种对人体美崇拜的来源与其发展脉络。
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▲「神的身体」
公元前五世纪，地处欧、亚、非三大洲交界处的古希腊，出现百花齐放的艺术盛况，人体艺术尤其是雕塑创作在该时期达到高峰。古希腊人在历史进程中始终保持对人体的美的赞扬，这种审美风尚与同时期的其它民族形成了鲜明对比。
米隆《掷铁饼者》
古希腊士兵区别于敌人最明显的标志就是他们是裸体的
在两河流域（底格里斯河、幼发拉底河），人们认为裸体是被打败的战俘的象征；对于古巴比伦人、古亚述人、古吕底亚人来说，在公众场合裸露是件荒唐的事。然而在古希腊，只要温度适宜，人们就可以部分裸露甚至在特定场合完全脱光进行户外活动。
反映艺术家创作雕塑过程的古希腊绘画
古希腊有句俗语：“神人同形同性。”民众认为神按照自己的样子创造人，因此人的肉身就是纯洁、真诚、美丽的代名词，是最神圣的存在。在这种观念的影响下，人们从不羞涩于将自己健美的身体进行公开展示，他们相信完美的人体代表完整的人格，即代表神性。生活在此种社会氛围中的艺术家们较早地领悟和认识了人体之美，为创作出高度精确的人的形象奠定了坚实的基础。
费奥多尔·布朗尼科夫《毕达哥拉斯学派礼赞日出》，1869年
以及，深厚的人本位思想也是人体艺术在古希腊长盛不衰的原因。当时的雅典城邦活跃着一批对永恒真理持怀疑态度的学者，他们在各种公众集会上发表演说，回答人们提出的所有问题，向青年人传授辩论技巧。人们给这群哲学家取名为“智者派”，而这一流派的代表人物普罗泰戈拉正是人文思想的支持者，他最著名的命题就是“人是万物的尺度”。
文艺复兴时期的艺术歌颂人体的美，虽仍以宗教故事为主题，而表现的都是普通人的场景。
与对神的单方面崇拜不同，人文主义更倾向于对人的关怀，它主张一切以人为本，反对凌驾于人之上的绝对权威。这种思想起源于古希腊，衰落于中世纪，在文艺复兴时期重新受到人们关注，成为此后西方精神世界的主导。
人本位思想的回归使得人体艺术在14-16世纪再次达到一个高峰。然而，此时人们已经变得不能接受在公开场合裸露自己的身体——智慧树赐予人类羞耻之心，上帝将他们逐出伊甸园。
《圣经》中，人类始祖亚当和夏娃刚刚被创造出来时是没有智慧、不懂羞耻的。
马萨乔《亚当与夏娃被逐出伊甸园》（局部），壁画，1427年
区别于古希腊时对身体的自信和炫耀，文艺复兴时期的人们对于裸露的羞愧感充分体现在当时的人体油画中。以亚当和夏娃为题材的创作在该时期发生的转变可以作为一个有力的佐证：两位西方传说中的人类始祖在画中总是一副拘谨的神态。然而他们面向的并不是对方而是画外，仿佛这种窘迫的神情是由于自己赤身裸体的样子被赏画的观众看到所致。
迭戈·罗德里斯格·德·席尔瓦·委拉斯凯兹《镜前的维纳斯》，布面油画，112.5×177cm，1656年
弗朗索瓦·布歇《The Toilet of Venus》，布面油画，1751年
通过长时间摸索，画家们发现大众能接受以神话传说为题材创作的裸体画像。因为只有神是绝对纯洁、高贵、不可亵渎的。在知晓这一“潜规则”后，创作者们开始光明正大地描绘裸露的肉体，准确来说是神的躯体。此后，人体油画堂而皇之地进入了西方艺术的殿堂。
米开朗琪罗·博那罗蒂《最后的审判》，壁画，1370×1220cm，1638年
亚伯拉罕·布隆梅特《The Feast of Gods at the Wedding of Peleus and Thetis》，布面油画，193.7×164.5cm，1638年
除了受人文主义思潮影响之外，画家们热衷于描绘人体还有一个原因。裸体对于创作者们的作画水平来说是一项考验，因为描绘一副不加遮盖的躯体需要他们对人身体的构造有非常准确的把握。相对而言，女性的身体又比男性更难刻画，因为女人皮肤表面下的脂肪比较厚，很难分解出肌肉结构和肌理，所以能画好女人体的基本都是大师。假如一个画匠能给雇主交出一幅优美的女性人体油画，那他的身价就会水涨船高。
威廉·阿道夫·布格罗《Biblis》，布面油画，143×201.8cm，1876年
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿《Nude Seated on a Sofa》，布面油画，1876年
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▲「裸体与裸像」
肯尼斯·克拉克（Kenneth Clark）是上世纪最著名的艺术史家之一，他在自己的著作《裸体艺术》中曾提出一个观点：裸体和裸像是两个不同的概念。前者只是脱光衣服，而后者是一种艺术形式。
塞巴斯蒂亚诺·里奇《The Fall of the Rebel Angels》，布面油画，680×820cm，1720年
塞巴斯蒂亚诺·里奇《Medor and Angelica》，布面油画，110×87.5cm，1716年
自人体艺术出现以来，不断有评论家表示应划清艺术与情色的界线。持这种观念的人认为：如果裸体会唤起观者对于描绘对象的某些想法或欲念，那这幅画就是伪艺术品，画家是在做伤风败俗之事而非创作。肯尼斯·克拉克却不认同这种清高的理论，他将“裸像”定义为是由古希腊人创作出来的一种艺术，它不是一种题材而是一种形式。
恺撒·范·埃弗丁恩《巴克斯、两位宁芙仙女和丘比特》，布面油画，147×161cm，1660年
19世纪法国学院派画家阿德里安·亨利·坦努克的人体油画作品
这位艺术史家觉得任何一个裸体形象，无论它如何抽象，从来没有不引起观者的零星情欲，即便是最微弱的念头。这种对美丽的人体的占有或与之结合的欲念是人类天性中如此本质的一部分，假若将人体艺术与欲望完全隔绝，这反而使该形式显得低劣，因为它代表一种虚伪的道德。
科雷吉欧《Jupiter and Io》，布面油画，735×1620cm，1520-1540年
亚历山大·安德烈耶维奇·伊万诺夫《The Apparition of Christ to the People (The Apparition of the Messiah)》，布面油画，750-540cm，1837-1857年
裸露的身体之所以成为裸像，是因为它被当成观看的对象。如果说裸体是自我呈现的一种方式，裸体形象则可以被认为是公开的展品。一个人的躯体是自然形成的，而画家笔下的人体却是经过改造的。创作者们必然对自己所描绘的人做了润色，某种角度来说这就像给原本光溜溜的模特在画中穿上一层看不见的“衣服”，只不过这种衣着形式比较特别。
提香·韦切利奥《Venus and Adonis》，布面油画，1895×1828cm
John William Waterhouse《Hylas and the Nymphs》，布面油画，91×152cm，1896年
为什么要穿上这样一层“衣服”呢？因为要取悦看画的人，女权主义者往往认为观赏者被画家假定为男人，而这些创作者们往往本身就是男性。为了男主人们的需求，画中的女人需要以裸露的姿态出现。而挑逗人情欲的，不仅是赤裸的身体，还有她们充满性暗示的姿势以及勾人的神态。
作品《乌尔比诺的维纳斯》中，女神用一种充满魅惑的眼神望着画外。
作品《赛普克的诱拐》中，被拐骗的女人展现出一种极其享受的神态。
当然，并不是所有裸像创作的出发点都是为了满足男性的观赏需求，在人体艺术的发展进程中，部分画家成功打破了一直存在的对女人身体展现的成规，选择将画中女性描绘成有独立人格、有自由意志的女子。这些创作者通过设计构图、人物的面部神情及其身体摆放的姿势等种种细节，来表现被描绘对象的意愿。
爱德华·马奈《草地上的午餐》，布面油画，213×269cm，1863年
在这方面，画家爱德华·马奈（Édouard Manet）可以说是一个代表人物。在其作品《草地上的午餐》（Le déjeuner sur l'herbe）中，一个赤裸的女人无拘无束地坐在两个衣冠楚楚的男人旁边，她手托着下巴面对画外，神情悠闲自在，没有丝毫的羞耻跟不安。创作者借助光和色的调和，渲染出年轻女性的身体美和气质美，成功地让观者忘记了她裸女的身份。
在画家爱德华·马奈的另一件作品《奥林匹亚》中，赤身裸体的性工作者展现出了一种无所畏惧的坚毅的神态。
1863年，《草地上的午餐》在巴黎沙龙展出时引发了人们的巨大争议，大家关注的焦点无外乎就是那个不穿衣服的“妓女”。有人认为作者表达的是对当时法国社会风气日下、道德败坏的批判；也有人认为画家这样将普通人的裸体形象展现于大众视野之中的行为令人不齿。
但无论怎样，艺术能够诠释一切美的行为和事物，而美与丑并不在于穿不穿衣服。在千百年来关于“裸体”的这场大讨论中，绘画界几度陷入沉思，而创作者们不断思考的，是如何改变画中人物被凝视的角度。
[编辑、文/张绮梦]
[监制/齐超]
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